文 | 宋文杰的宇宙
编辑 | 宋文杰的宇宙
发音符号的使用
音乐里有几个发音符号：连音、竖划和圆点。但这些标志很少使用。是因为什么？因为他们对于知识渊博的音乐家来说概念很大，这是显而易见的。
他们知道自己必须做什么，就像我们用母语说话一样本能。
作为莱比锡圣托马斯学校的教师和唱员，约翰·塞巴斯蒂安·巴赫几乎完全与年轻、缺乏经验的音乐家合作。
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他们显然还不知道如何很好地发音，因此他为他们写出了许多作品的完整发音，这让同时代的人感到惊讶和烦恼，但他们没有这样做。
他很高兴地给了我们一系列模型，从中我们可以推断巴洛克音乐是如何表达的，也就是说，它是如何通过音调说话的。
使用这些模型，我们不仅可以恰当地表达巴赫的作品，而且可以表达那个时期其他作曲家的作品，这些作品在我们看来没有或只有几个发音符号。
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当我们谈到发音时，我们必须从个人音调开始。利奥波德·莫扎特非常生动地描述了它的表演。
他说：“每一个音调，即使是攻击最强烈的音调，在它之前都有一个很小的、甚至几乎无法察觉的弱点。”
“否则它就不是一个音调了，而只是一个令人不快、无法理解的声音。这种弱点也可以在每个音调的结尾处听到。”
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以及其他地方，必须对此类票据进行强烈攻击，在没有强调的情况下持续下去，随着铃声的响起而逐渐消失，逐渐消失。
他还指出，人们必须小心保持好点音符。然而，同时他认为点应该“以逐渐消失的方式连接到音符上。”
这种明显的矛盾是一种典型的方式，在这种方式下，一个音源可能会因为轻微的误解而被错误地解释。
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许多人使用莫扎特的指示来保持音调，作为“证明”，即使在当时，人们也必须持续保持一个给定的音符值，即以统一的强度。
但在当时，不言自明的概念，而“持续”是一个警告，不要过早地使用以下音调。保持一个音符的最大力度（正如今天的惯例）必须特别通过处方来表示。
在这种情况下，我们必须考虑声明的意图，并记住，老作者毕竟不是为我们写的，而是为他们的同时代人写的。
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对我们来说，最重要的方面往往是他们没有写的东西，因为这是众所周知的，被认为是不言自明的。我们今天没有一篇论文可以用来说：“一旦我研究了这个，我就知道一切。”
因此，我们在使用报价时必须非常谨慎，并尽可能考虑整个背景。“矛盾”在大多数情况下是误解。
因此，单个音符的发音就像单个音节。生物体经常会问，如何在风琴上演奏一种本应逐渐消失的音调，空间在这方面发挥着重要作用。
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每个器官都有一定的空间，一个好的器官建设者在制作乐器时会考虑到这个空间。直到大约三四十年前，人们还认为风琴是持续发声的乐器。
然而，近几十年来，我们认识到，一种清晰的“说话”方式也是可能的。此外，好的、旧的器官在每个音的开头都有一种短暂的现象，这会引起铃声的曲线。
在合适的空间使用好的乐器时，最好的风琴手能够创造出铃声渐弱的印象，从而产生“说话”类型的演奏效果，这取决于他们何时以及如何结束音调。
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这是一种错觉（类似于钢琴家的“硬”或“温柔”触感），但在音乐中，只有错觉，即听众所感受到的印象才重要，风琴音调不能减弱，琴键的敲击不能是硬的或柔和的，这是绝对次要的技术现实。
我们一次又一次地观察到，根据经验，伟大的音乐家也是声学艺术家。
在每一个空间里，他们都立即知道如何前进，如何在这个空间里玩耍，他们不断重建空间和声音之间的关系。
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音调的立体空间
在我看来，大约1800年后的音乐中的个人音调在其持续时间中是二维的，而早期音乐中的理想音调由于其内在动态而具有物理或三维效果。
这些乐器也符合这些扁平或说话的理想，例如，如果在巴洛克双簧管和现代双簧管上演奏同一个短语，就很容易听到。然后我们立即理解了这两种声音背后的想法。
现在是音调组或数字。快速音符，例如二二拍子中的八分音符或4/4 C快板中的十六分音符，应该如何演奏？
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根据当今大多数音乐教育家的说法，相同的音符值应该尽可能规律地演奏或演唱，就像琴弦上的珍珠一样，完全相同！
这种风格在第二次世界大战后被一些室内乐团完善，并确立了某种演奏十六分音符的方式，这在全世界引起了极大的热情（这种演奏被赋予了最不恰当的名字：“巴赫鞠躬”）。
这种演奏方式根本没有说话的效果。相反，它有点机械的味道，但由于我们这个时代已经被机器所奴役，没有人注意到这是错误的。
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但现在我们正在寻找正确的答案。这些十六分音符会发生什么？毕竟，大多数作曲家都不在音乐中写发音符号，除了巴赫，正如我们所指出的，他给我们留下了许多非常精确的标记作品。
例如，在《大合唱47》低音咏叹调的器乐部分，他通过在第一个音符上加圆点，而在其他三个音符上涂上模糊的颜色来表达一组四个音符。
然而，在同一首《大合唱》中，同样的人物以声音出现，出现了两个音符组合在一起的现象。
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这个例子非常重要，因为巴赫所说的是：“一个音乐人物不仅有一个正确的发音，还有几个正确的发音，在这里，它们甚至同时发生！”
当然，有一些可能的表达方式是绝对错误的，我们必须识别这些方式以避免它们。
在任何情况下，我们都可以看到，在同一首作品中，作曲家想要对同一段落使用两种截然不同的发音。
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从上面例子中的发音点可以看出，他想要区分这些变体的准确程度。
这导致了进一步的考虑，在使用釉的油画中，颜料是透明的，我们可以从一层看到下一层，这样我们通过四到五层查看它们下面的图纸。
当我们听一段清晰的音乐时，也会发生类似的事情。我们的耳朵深深地穿透了它，我们清楚地听到了不同的层次，尽管如此，它们还是融合成了一个整体。
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在基础层面，我们听到了“设计”和计划，在另一个层面上，我们发现重音不和谐，在接下来的一段中，一个声音在措辞上柔和地含糊，另一个声音则清晰地表达出来。
所有这些都是同时同步的。听众不能一下子理解作品中包含的一切，而是在作品的各个层次上徘徊，总是听到不同的东西。
这种多层次的概念对于理解这种音乐非常重要，它几乎永远不会满足于单纯的二维方法。
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巴赫的声部通常包含与伴奏乐器不同的发音，如上图所示。不幸的是，这种差异今天通常被作曲家解释为“错误”，并被“纠正”。
我们很难理解和接受不同用法的复杂性和同时性，我们想要最简单的订单。
相反，18世纪想要的是丰富，甚至是过度。无论在什么层次上，一个人倾听，一个人接收信息，没有任何东西被简化为一个共同的分母。
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管弦乐队的发音方式与合唱不同
即使是大多数“巴洛克专家”也不熟悉这一点，他们总是想平衡事情，让一切尽可能地相似，并听到美丽的直线声，但不是多样性。
然而，不同层次的发音不仅存在于人声和器乐部分之间，也存在于管弦乐队内部，甚至在特定的部分内。
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例如，有很多例子，在《B小调弥撒》和《马太受难记》的器乐部分，同一段经文要求在不同的部分表达不同的发音。
从我们有序的观点来看，这可能是不可能的，但在实际实践中，这种多样性听起来更加美丽、多样和“说话”。
那么，对于弦乐器演奏者、歌手、管乐器演奏者或键盘演奏者来说，这个发音意味着什么？
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这基本上意味着，发音下的第一个音符被强调，并且保持的时间最长，而后面的音符被演奏得更柔和。这是巴洛克的原则。
在今天的正式音乐教学中，并没有所谓的“偶数”音符。当然也有例外，但这种逐渐减少是规则。
1800年后，这个词的用法完全不同。它不再是一个发音标记，而是一个技术指导。从这个意义上说，它在巴洛克音乐中毫无意义，也毫无用处。
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如果我们不知道这一区别，那么无论是否写诽谤都没有任何区别，因为今天的每个音乐家都会试图让发音听不见，好像旋律上写了一个很大的连音。
在巴洛克音乐中，发音的基本含义是强调第一个音符。如前所述，衡量标准中压力的基本层次被清晰度和不和谐所打破。
而这次打破是有趣的，就像牡蛎中的刺激物会变成珍珠一样，在音乐中，刺激会让听众全神贯注。人们一次又一次地说，听众被音乐改变了。
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只有当音乐对身体和精神产生影响时，这种情况才会发生。让我们想象一个占主导地位的第七和弦。
当我们听到它时，我们也会感到身体上的紧张，不和谐需要解决。当它发生时，我们会感到放松和放松。作曲家正是通过这种身体反应、听众的紧张和放松来创作的。
听音乐时，没有人能避免对身体运动做出反应的冲动，测试自己，观察任何音乐厅的观众。这是音乐体验的一部分。其结果是，整个复杂的发音不仅包括演奏音乐，还包括听音乐。
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发音清晰的音乐与二维播放的音乐的方式完全不同。它影响我们的身体，迫使我们的思想积极倾听，参与对话。
圆点是一个非常重要的发音符号。通常我们认为圆点会缩短音符，因为这是今天的习惯规则。许多音乐学家在对学术版音乐的评论中称之为“缩短点”。
然而，这一概念在巴洛克时期并不存在。在巴赫写点的许多地方，我们看到它们总是抵消人们在这一点上通常会做的任何事情。在人们可以广泛玩耍的地方，圆点意味着缩短，
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在那些原本会演奏很短音符的地方，它需要强调。通常，这些点可以被视为表示强调，在这种情况下，它们可以甚至意味着音符的拉长。
在许多情况下，它们只是意味着这里应该避免发音不清，或者以不均匀的节奏（在大风中）演奏的音符应该均匀地演奏。
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在巴洛克音乐的等级结构中，我们不仅发现了“响亮、柔和、强烈、微弱”的含义，而且还发现了“稍微长一些，稍微短一些”，这是长度上的区别。
如果在注释上方放置点，则会消除差异，然后这些点使一切都一样。
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